Khi các nhà thiết kế tìm nguồn cảm hứng từ các nghệ sĩ, họa sĩ và nhà điêu khắc, sàn diễn trở thành một bộ sưu tập nghệ thuật, nơi mà màu sắc của Yves Klein chung sống với cubism của Picasso. Khi các nhà thiết kế tìm nguồn cảm hứng từ các nghệ sĩ, họa sĩ và nhà điêu khắc, nghệ thuật trở thành nghệ thuật. Và tủ quần áo của chúng ta chưa bao giờ giống nhau.
Frida Kahlo
Từ sự giàu màu sắc đến quan niệm về quần áo như thông điệp, từ tinh thần nữ quyền đến tâm hồn cách mạng, từ di sản tự hào đến hình ảnh chân thực, không thể phủ nhận vai trò trung tâm của Frida Kahlo đối với văn hóa đại chúng – và, tất nhiên, đối với thời trang, nơi phong cách và hình dạng của nghệ sĩ Mexico vẫn tiếp tục được diễn giải và tái diễn giải. Như Ellie Violet Bramley đã viết trong bài viết “Frida Kahlo: người đấm phật, nữ hoàng selfie, biểu tượng đồng tính và nguồn cảm hứng thời trang năm 2017”, đăng trên The Guardian cùng năm ấy, “trong thời trang cao cấp, ảnh hưởng của Kahlo có thể cảm nhận được thông qua cách tối đa hóa của thẩm mỹ ngập tràn sức sống của Alessandro Michele. Với mùa thu / đông 2017, đó có nghĩa là hoa và cách nút, nhún và xung đột, tất cả tương thích với tình yêu của Kahlo với sự thừa thãi; những chiếc nhẫn, hoa và thêu. Ảnh hưởng của cô ấy cũng xuất hiện ở những trái tim đỏ lấp lánh, ren và họa tiết vườn trồng cây tại Dolce & Gabbana và màu hồng nóng trên sàn diễn từ Balenciaga đến Burberry. Áo vest nam tính hình hình hộp chữ nhật – một xu hướng quan trọng trong mùa này – tại Céline và Isabel Marant gợi nhớ đến một bức tranh chụp gia đình năm 1926, trong đó Kahlo mặc bộ vest của cha cô.”
Dựa trên những ví dụ này, một trong những điểm nổi bật nhất diễn ra cách đây vài năm, cụ thể là trong buổi trình diễn Xuân/Hè 1998 của Jean Paul Gaultier. Con đường diễn ra một cách kịp thời như sau: sau khi được giới thiệu với tác phẩm của các nghệ sĩ Mexico thông qua Madonna và cảm nhận tinh thần của cô nghệ sĩ trong ngôi nhà của ca sĩ tại Mexico City, nhà thiết kế quyết định biến Kahlo thành nguồn cảm hứng của mình và tôn vinh cô bằng một bộ sưu tập gồm 80 trang phục. Kết quả không chỉ là một tình thư gửi đến hình ảnh không thể nhầm lẫn của Kahlo, tràn đầy những tham chiếu như lông mày và tình yêu hoa, váy dài, màu sắc nổi bật và trang sức, mà còn là tác phẩm nghệ thuật nổi tiếng của cô – trong đó lời ám chỉ rõ ràng đến bức tranh “The Broken Column” năm 1944 của cô, trang phục thứ tư của bộ sưu tập có một loạt các sọc đen gắn khóa bắt qua ngực. “Nét đẹp, sức mạnh và đau đớn từ tác phẩm của cô ấy đã chạm thẳng vào tâm hồn tôi”, Gaultier nói với Vogue, trích dẫn từ Google Arts & Culture. “Frida đại diện cho một người không sợ hãi và một người vĩnh cửu. Tôi luôn yêu thích sự khác biệt và Frida không sợ khác biệt.”
Pablo Picasso
Có một số yếu tố thú vị về Pablo Picasso có thể truyền cảm hứng cho một số bộ sưu tập quần áo sẵn sàng – như các biệt danh của ông có 23 tên, sự trùng hợp thú vị của từ đầu tiên của ông, “bút chì” hoặc sự mỉa mai của ông không quá xuất sắc ở vai trò học sinh. Nhưng với Jeremy Scott, câu chuyện về việc Picasso bị cáo buộc đánh cắp bức họa Mona Lisa là chuyện làm cho nhà thiết kế hét lên “tấn công nghệ thuật” cho buổi trình diễn Xuân/Hè 2020 của Moschino. “Đó là điều đặc biệt về Picasso”, Scott nói trong một cuộc phỏng vấn với Vogue. “Khi bạn nghĩ rằng bạn biết tất cả những gì có thể biết, ông ta luôn làm bạn bất ngờ.” Việc tái hiện lại một số tác phẩm nổi bật nhất của Picasso với phong cách Moschino lố bịch cũng là một bất ngờ – hãy tưởng tượng về những hình ảnh biểu hiện nghệ thuật về đấu bò đã tạo ra áo vest và quần ngắn cho matador, những cây đàn biến thành váy và các bức tranh như “Les Demoiselles D’Avignon”, “Le Marin” hoặc “Femme au beret et a la robe quadrille” đã truyền cảm hứng cho một số trang phục thực sự có thể xuất hiện trong bất kỳ bảo tàng nào.
Andy Warhol
Rất khó có thể tưởng tượng ngành công nghiệp thời trang – và thế giới nghệ thuật – mà không có nguồn cảm hứng sáng tạo từ Andy Warhol, người đã làm việc như một họa sĩ minh họa cho Harper’s Bazaar (sự thực là, biệt danh của nàng chỉ là Andy Paperbag) trước khi tạo ra những tác phẩm nổi tiếng của mình với hình ảnh canh của Campbell và trở thành một biểu tượng văn hóa pop thực sự. Mặc dù Warhol luôn duy trì một mối liên hệ mạnh mẽ với thời trang, nhưng thập kỷ 80 là thời gian mà nghệ sĩ thực sự đã đổ bộ vào sàn diễn, đầu tiên với buổi trình diễn Xuân/Hè 1984 của Jean-Charles de Castelbajac, trong đó Inès de La Fressange mang trên mình một chiếc váy hình lon canh. Từ đó, Warhol trở thành một nguồn tham khảo liên tục cho một số nhà thiết kế – Miuccia Prada lấy cảm hứng từ “Hoa” của Warhol cho buổi trình diễn Xuân/Hè 2013 của Prada; trước khi hợp tác với Andy Warhol Foundation for the Visual Arts và in hình những bức ảnh biểu tượng của vị master Pop Art cho bộ sưu tập Xuân/Hè 2018 của Calvin Klein 205W39NYC, Raf Simons đã kết hợp một số hình vẽ giày được Warhol tạo ra trong những năm 1950 cho buổi trình diễn Thu/Đông 2013 của Dior; Gianni Versace biến sự ngưỡng mộ của mình đối với Andy Warhol thành bộ sưu tập Xuân/Hè 1991 của Versace với chiếc váy có in hình Marilyn Monroe và James Dean, sau đó được Donatella Versace tái diễn trong bộ sưu tập Xuân/Hè 2018 của hãng; và Jeremy Scott liên tục bị ảnh hưởng bởi Andy Warhol và sự mê hoặc của ông với tiêu thụ hàng hóa, cả trong nhãn hiệu của mình lẫn trong Moschino của Ý.
Piet Mondrian
Màu sắc chủ đạo. Giá trị chủ đạo. Hướng chủ đạo. Một số tác phẩm nổi tiếng của họa sĩ Hà Lan và người mở ra kỷ nguyên nghệ thuật trừu tượng được viết (thực ra là vẽ) bằng ba yếu tố duy nhất. Năm 1965, các dòng ngang và dọc của Mondrian, các hình dạng được vẽ bằng màu đỏ, xanh và vàng, và việc sử dụng đen và trắng như các đường kết nối những chấm điểm, truyền cảm hứng cho Yves Saint Laurent tạo ra những gì ngày nay được biết đến là “Bộ sưu tập Mondrian”. Mặc dù dự án thời trang cao cấp này bao gồm 80 trang phục, chỉ có sáu trong số chúng liên quan đến tác phẩm của Piet Mondrian, và bên cạnh việc rằng nhà nghiên cứu nghệ sĩ Hà Lan đã được lựa chọn phụ thuộc vào ý tưởng chỉ xảy ra khi ông mở cuốn sách về Mondrian mà mẹ ông tặng cho ông vào ngày Giáng sinh – những chiếc váy hình học và nhiều màu sắc được tạo ra bởi nhà thiết kế couturier đã trở thành một trong những biểu tượng phong cách nổi tiếng (và bị sao chép) nhất của Balenciaga từ nhà Pháp này. Bộ sưu tập này cũng đánh dấu sự bắt đầu của một cuộc đối thoại giữa thời trang và nghệ thuật, một cuộc đối thoại sẽ định nghĩa một phần đáng kể của sự nghiệp của Saint Laurent và những trang phục được tạo ra để tưởng nhớ một số nghệ sĩ yêu thích của ông – ngoài Mondrian, còn có tên như Andy Warhol, Henri Matisse, Vincent Van Gogh, Pablo Picasso và Georges Basque đã truyền cảm hứng cho nhà thiết kế couturier trong suốt những năm qua.
Salvador Dalí
Không ai thực sự biết cách họ gặp nhau, nhưng ai cũng biết điều gì đã xảy ra khi con đường của người vẽ tranh siêu thựcism Salvador Dalí và nhà thiết kế xuất sắc Elsa Schiaparelli giao nhau, lần đầu, vào đầu những năm 30, một nơi nào đó ở Paris. “Về mặt nghệ thuật, họ có sự cổ vũ thực sự”, Hank Hine đã chú thích trong một bài viết được đăng trên Artsy. “Họ chia sẻ cảm giác làm những điều kỳ diệu sẽ gây sốc và làm say đắm.” Cùng nhau, Dalí và Schiaparelli tạo nên nền tảng cho sự hợp tác giữa nhà thiết kế và nghệ sĩ, và công việc mà họ chia sẻ là một bằng chứng đáng kinh ngạc về sự tôn trọng và ngưỡng mộ lẫn nhau. Ví dụ, chiếc mũ nón “giày” nổi tiếng mà Schiaparelli tạo ra xuất phát từ bức ảnh của Dalí mặc một chiếc giày trên đầu; sự mỉa mai mà hai nhà tạo mơ ấy đã chia sẻ đã làm cho chiếc váy “Cáy cua” biểu trưng nổi tiếng của năm 1937 trở thành hiện thực – một cột mốc mà, 80 năm sau đó, Bertrand Guyon đã tái hiện cho bộ sưu tập cao cấp Xuân/Hè 2017 của Schiaparelli; và từ một bức vẽ của họa sĩ, có một người phụ nữ mặc váy trong suốt cho thấy xương cốt của cô, xuất phát chiếc váy “Xương cốt” năm 1938. Và đúng như vậy, nghệ thuật và thời trang chưa bao giờ giống nhau.
Niki de Saint Phalle
“Tôi không phiền muộn khi mặc đôi giày cao cổ hoặc hoa trên tóc nếu tôi muốn. Tôi nghĩ rằng quần áo nên thành một tuyên ngôn. Tôi biết quần áo của tôi là như thế. Chúng là những gì tôi cảm nhận.” Câu nói này thuộc về Niki de Saint Phalle, người mẫu gốc Pháp-Mỹ đã dành cả cuộc đời mình cho nghệ thuật và mang đến thế giới một loạt tác phẩm điêu khắc táo bạo và đầy màu sắc – trong số đó có những tác phẩm nổi tiếng như “Nanas”, những tác phẩm nghệ thuật khám phá các vai trò khác nhau của phụ nữ trong xã hội – và một số bức tranh trừu tượng nhờ phương pháp khá kỳ quặc – như một hành động phản đối chế độ matriarchal và sự cứng nhắc của xã hội, nghệ sĩ này sẽ đặt bao đựng sơn trên bề mặt kanvas và bắn chúng. Vì vậy, không có gì đáng ngạc nhiên khi Maria Grazia Chiuri nhìn vào cuộc sống, công việc và phong cách của Niki de Saint Phalle cho bộ sưu tập Xuân/Hè 2018 của Dior – thật ra, Niki đã nuôi dưỡng một tình bạn mạnh mẽ với Giám đốc sáng tạo Marc Bohan và là một người hâm mộ và khách hàng đích thực của thương hiệu này. Kết quả là một bộ sưu tập tràn đầy những tham khảo đến de Saint Phalle, từ “Nanas” đến những trái tim nhiều màu sắc, rồng, Cây Tình Yêu và Tarot Garden, nằm ở vùng xứ Tuscan.
Bauhaus
“Là một trường phái nghệ thuật, Bauhaus là biểu tượng cho cách thiết kế giai điệu về thiết kế trong thế giới ngày nay. Tôi nghĩ rằng thời trang, là một ngành thiết kế ứng dụng, luôn phải tìm được sự cân bằng giữa sự sáng tạo và thương mại; tìm hiểu về tính chức năng của thiết kế, trong khi truyền tải điều gì đó phù hợp với thời đại chúng ta. Điều đó vẫn còn quan trọng như ngày nay ngay cả với thời điểm đó.” Những từ đó thuộc về nhà thiết kế Mary Katrantzou và được lấy ra từ một bài viết Vogue nghiên cứu về cách 100 năm Bauhaus đã ảnh hưởng đến thời trang – và không thể phủ nhận rằng trường đã nổi tiếng với những hình hình học, những đường cứng và các cột màu đã có một ảnh hưởng to lớn đối với một số nhà thiết kế. Từ André Courrèges đến Mary Quant và Jil Sander, và trong đó có cả Mary Katrantzou, trước tiên trong bộ sưu tập Xuân/Hè 2011 của cô và sau đó trong bộ sưu tập Thu/Đông 2018 của cô, trong đó cô gắn các tấm áp phích Bauhaus trong một số trang phục. “Trong bộ sưu tập Thu/Đông 2018 của tôi, Bauhaus đại diện cho sự trong sáng của hình thức, tính thiết thực của thiết kế và cách truyền cảm hứng đó trực tiếp được dịch thành thời trang. Về mặt đồ họa, chúng tôi đã xem nhiều áp phích Bauhaus, sự sử dụng của hình học, điều chúng tôi dịch thuật thành trang phục dệt kim”.
Robert Mapplethorpe
“Tôi muốn tiếp cận nó như một buổi biểu diễn ở bảo tàng hoặc triển lãm nghệ thuật. Điều này đã được thực hiện rất nhiều khi nó liên quan đến các tác phẩm của Mapplethorpe. Cindy Sherman đã làm điều đó, David Hockney đã làm điều đó. Nhưng luôn ở trong một bảo tàng. Tôi là một nhà thiết kế thời trang. Tôi nghĩ thách thức lớn nhất sẽ là làm nó trong môi trường của tôi.” Đó là những gì Raf Simons nói với Vogue Runway khi ông hợp tác với Robert Mapplethorpe Foundation cho bộ sưu tập Xuân/Hè 2017 của thương hiệu cùng tên của ông. Khi được mời để khám phá các bộ sưu tập của nhiếp ảnh gia và tưởng nhớ công việc và di sản của ông, nhà thiết kế người Bỉ đã xây dựng một bộ sưu tập vượt ra ngoài hơn năm mươi trang phục in hình ảnh của Mapplethorpe, từ hoa của ông đến chân dung, giới thiệu một số tham chiếu như màu sắc, vật liệu và một bộ sưu tập người mẫu mà như Simons giải thích đại diện cho công việc của Mapplethorpe, chứ không phải là nhân bản đơn giản.
Ricard Prince
Suốt 16 năm làm giám đốc sáng tạo của Louis Vuitton, Marc Jacobs không lãng phí bất kỳ cơ hội nào để tưởng nhớ cả nghệ thuật và nghệ sĩ. Năm 2001, nhà thiết kế hợp tác với Stephen Sprouse trong một phiên bản đầy màu sắc và sống động cho biểu tượng monogram của nhà Pháp; hai năm sau, ông hợp tác với Takashi Murakami để tạo ra một biểu tượng của thập kỷ 2000; và sau đó, vào năm 2012, Yayoi Kusama đưa chúng tôi quan sát các chấm tròn nổi tiếng trên một loạt túi xách, quần áo và phụ kiện của Louis Vuitton. Nhưng một trong những gặp gỡ đáng nhớ nhất giữa Louis Vuitton (qua Marc Jacobs) và nghệ thuật diễn ra trong buổi trình diễn Xuân/Hè 2008. Gương mắt đi vào công việc của Richard Prince, Jacobs trình diễn một số chiếc túi xách với chữ monogram đã được rửa và một dấu ấn của bộ sưu tập “Jokes” của nghệ sĩ, cũng như chỉ trích thảo các bức tranh “Y tá” nổi tiếng (cũng như trong album “Sonic Nurse” của Sonic Youth) bằng việc cho các người mẫu Naomi Campbell, Stephanie Seymour, Eva Herzigova, Nadja Auermann mặc những bộ đồ y tá để mở màn buổi trình diễn.
Yves Klein
“Một ngày nọ, tôi hiểu rằng đôi tay của mình, những công cụ mà tôi sử dụng để cầm cốt tô màu, không còn đủ. Tôi cần vẽ trên tấm vải đơn sắc bằng chính những người mẫu ấy.” Đó chính là những gì Yves Klein đã làm vào năm 1960, với loạt tác phẩm “Anthropometries” của ông, mà lấy tên của nó từ việc nghiên cứu các kích thước của cơ thể con người. Với những người mẫu biến thành “bút chì sống” và chỉ mặc đồ màu xanh Klein của ông, nghệ sĩ đã tạo ra một loạt các tác phẩm nhập nhằng – đối với Klein, việc vẽ chỉ bằng một màu tương đương với một cửa sổ mở cho sự tự do, cho khả năng ngâm mình vào sự tồn tại vô hạn của màu sắc. Những tác phẩm nghệ thuật này đã truyền cảm hứng cho bộ sưu tập Xuân/Hè 2017 của Céline của Phoebe Philo, và giống như những người nghệ sĩ đã làm vào ngày xưa, nhà thiết kế kiêm giám đốc sáng tạo lợi dụng không gian trống của hai chiếc váy trắng để in hình những hình dáng nữ màu xanh được tạo ra bởi Klein vào những năm 60.
Jackson Pollock
Một trong những tham khảo đầu tiên đến nghệ thuật của Pollock trong thế giới thời trang diễn ra vào năm 1951, trong số báo Vogue số tháng 3, nơi Cecil Beaton chụp một số trang phục ấn tượng nhất của mùa mốt trước các tác phẩm của nghệ sĩ Mỹ. Nhiều nhà thiết kế khác đã làm theo sau, trong số đó có Dior Homme mùa Thu/Đông 2017, Dries Van Noten Xuân/Hè 2011 hoặc Vivienne Westwood Xuân/Hè 2014, mỗi người nhìn vào Pollock với một cái nhìn khác nhau và sắc sảo, có thể nói là để tạo ra áo blazer, áo sơ mi hoặc đơn giản chỉ là vẽ chấm sơn trên mặt người mẫu. Dương như tất cả những thượng đế đó có thể đã, là Alexander McQueen đã nhúng công việc của Jackson Pollock trên sàn diễn một cách đáng chú ý nhất. Cho buổi trình diễn Xuân/Hè 1999 của mình, và vào một khoảnh khắc ấn tượng của sự đối đầu giữa phụ nữ và máy móc, người mẫu Shalom Harlow đã đứng giữa tâm điểm và quay quanh một nền tảng trong khi hai cánh tay cơ khí phun sơn xanh và đen lên chiếc váy trắng tinh khiết của cô – một gợi ý rõ ràng về kỹ thuật của Jackson Pollock.
Giuseppe Arcimboldo
Vào khoảng năm 1590 đến 1591, người Ý Giuseppe Arcimboldo đã vẽ bức tranh nổi tiếng “Vertumnus”, trong đó hoàng đế Rudolf II được biến thành Vertumnus, vị thần La Mã thay đổi hình dạng trong Thiên Nhiên và cuộc sống. Để biểu thị rằng triều đại của Hoàng đế sẽ giàu có và hòa hợp, Arcimboldo – nổi tiếng với những bức tranh thực tế siêu thực của mình về hình dạng con người che giấu trong rau, sách, cây cối, đồ dùng nhà bếp, hoa quả, loài động, động vật và rễ cây – đã che gương mặt của Hoàng đế bằng các loại quả và hoa của mùa. 400 năm sau đó, hình ảnh xuất hiện trong bộ sưu tập Xuân/Hè 2018 của Rei Kawakubo cho Comme des Garçons, đi kèm với các tham chiếu nghệ thuật khác như hoa của Abraham Mignon, Các cảnh phong cảnh pixelized của E Boy và những bức vẽ anime của Macoto Takahashi.
Truyện tranh
Các tác phẩm minh hoạ của Brigid Elva, Jöelle Jones, Stellar Leuna, Giuliana Maldini, Natsume Ono, Emma Rios, Trina Robbins, Fiona Staples và các bộ sưu tập của Tarpé Mills, người sáng tạo ra super-hero nữ đầu tiên, Miss Fury. Cho bộ sưu tập Xuân/Hè 2018 của Prada, đó là những phụ nữ và nghệ sĩ nữ mà Miuccia Prada – một người yêu quý nghệ thuật đam mê – mang vào sàn diễn. Bộ sưu tập này là, như luôn luôn, mang lại quyền lực, và những bước vẽ tranh và manga, đồng hành cùng những vấn đề nữ quyền quan trọng, thậm chí chiếm trọn trung tâm không chỉ trong trang phục, mà còn trong không gian tổ chức. “Tôi cảm thấy cảm hứng khi cầm cây bút trong tay, bạn có thể kể cuộc đời của mình”, Miuccia cho biết Vogue. Sự cảm hứng đó đã được biến đổi thành các bộ đồ dạ hội bị phá vỡ, váy baby doll với một chút punk, áo khoác quá khổ và những món đồ được minh hoạ bằng truyện tranh từ trên đầu đến chân – và ý chí thay đổi thế giới, đặc biệt cho phụ nữ.
Hội họa Tây Ban Nha
Từ “La reina María Luisa con tontillo” của Goya đến “Las Meninas” của Velázquez, những sắc màu của El Greco và những hình dạng của Francisco de Zurbarán, có rất nhiều tác phẩm nghệ thuật Tây Ban Nha đã truyền cảm hứng cho Cristóbal Balenciaga và những hình dáng mà nhà thiết kế gốc Tây Ban Nha đã tạo ra trong suốt sự nghiệp của mình. Như Diana Vreeland từng lưu ý, Balenciaga “mang vào cuộc sống của những người mặc những người phụ nữ những dáng vẽ của người Tây Ban Nha”. Đối với biên tập viên huyền thoại này, nhà thiết kế là “con trai chính thức của một đất nước mạnh mẽ với phong cách, màu sắc sống động và một lịch sử tốt đẹp”, và “nguồn cảm hứng của ông đến từ các đấu bò, các vũ công flamenco, ngư dân trong những đôi ủng và áo blouses rộng, những điều vinh quang của nhà thờ và sự mát mẻ của những khu vườn và tu viện. Ông đã nhận lấy màu sắc, nét cắt xén của họ, sau đó decorate chúng theo gu smai của ông thích.” Năm 2019, cuộc giao tiếp ấn tượng này giữa Balenciaga và nghệ thuật được khám phá trong triển lãm “Balenciaga và Hội họa Tây Ban Nha”, tại Thyssen-Bornemisza ở Madrid, nơi tập hợp một số tác phẩm của nhà thiết kế cùng với một số ví dụ nổi bật nhất về hội họa Tây Ban Nha.
Một đêm ở bảo tàng
Một số nhà thiết kế nhìn vào hội họa và in nó lên một chiếc áo khoác. Những người khác nhìn vào một bức ảnh và chuyển nó thành một chiếc áo sơ mi. Những người khác nhìn vào một bức tượng và áp dụng hình dạng đó vào một chiếc váy. Và sau đó, có bộ sưu tập Couture Thu/Đông 2015 mà Viktor & Rolf đã tưởng tượng và đặt tên là “Nghệ thuật có thể mặc”. Hơn là một buổi trình diễn thời trang, bộ sưu tập đặc biệt này là một tác phẩm biểu diễn thực sự – từng trang phục sau trang phục, những chiếc áo khoác, áo vest, váy, váy và áo choàng được sử dụng bởi một số người mẫu, một số như bức tranh trống và những người khác như bức tranh tường phức tạp hơn, được các nghệ sĩ Viktor Horsting và Rolf Snoeren treo lên tường như tranh trong một bảo tàng hoặc triển lãm nghệ thuật. Sau hai mươi bộ trang phục được trình diễn trong một quá trình sáng tạo tuyệt vời, từ không gian trống đến hoa nghệ thuật đầy ấn tượng, câu hỏi “Thời trang có phải là nghệ thuật không?” đã được trả lời bằng một đáp án đơn giản “Thời trang có thể là bất cứ điều gì. Nó có thể là thời trang. Và nó cũng có thể là nghệ thuật”.